Los Goonies
Película de aventuras estrenada en 1985 dirigida por Richard Donner . Cuenta la historia de un grupo de amigos apodados los Goonies formado por Mikey, Chonk ( Gordi en la versión en español),Mouth ( Bocaza o Boca en la versión en español) y Data. Estos chicos van a pasar su último fin de semana juntos ya que por problemas financieros deben mudarse a otros lugares. Aburridos por la lluvia que no les permite salir suben al desván de la casa de Mikey donde encontraran un mapa conteniendo la ubicación de un supuesto barco hundido junto a su tesoro perteneciente al pirata Willy, el tuerto. La sed de aventuras y la oportunidad de poder salvar las casa y mantenerse unidos los llevará a querer emprender la búsqueda del famoso tesoro. A esta expedición se les sumaran Brand ( hermano de Mikey), Andy ( el amor de Brand) y Steff.
En esta película no faltaran los villanos, Los Fratelli, una familia compuesta por la madre y dos hermanos que se han escapado de la cárcel y se han escondido en un restorante justo donde el mapa indica el comienzo de la búsqueda. Esta familia los perseguirá hasta el final del film a los chicos puesto que se quieren adueñar del tesoro.
Es una película que tiene muy buena música interpretada por Cindy Lauper, junto a varias escenas de una gran comicidad.
Entre estos acontecimientos se puede destacar el momento donde Bocaza hará de intérprete para la mamá de Mikey que empleará a una mujer española o italiana ( según la versión en la que se la mire) diciéndole que son narcotraficantes y adictos a las torturas sexuales cuando obviamente la señora de la casa le esta indicando los lugares donde guarda la ropa y demás artículos de la casa o cuando rodeado por los Fratelli les pide en un perfecto Italiano unos “scalopinis di ternera” y un vino cosecha 81.
Los Fratelli tienen también otro hermano cuya cara esta desfigurada por una caida que sufrió de pequeño por culpa de su madre ( cosa que nos enteraremos sobre el final del film). Este muchacho llamado Sloth se unirá a Chonk que será atrapado por los malhechores al quedar encerrado en un refrigerador junto a un cadáver. Este muchachito Gordi o Chonk también tendrá sus momentos de comicidad cuando por ejemplo los otros chicos le hagan notar que dijo una serie de cosas que no eran reales ( comerse su propio peso en pizza, que Michael Jackson paso por su casa para utilizar su baño, etc) pero la mas graciosa de las escenas que lo tienen como protagonista es la que empieza a contar todas las maldades que hizo desde chico hasta el momento al pedido de “canta” de los Fratelli.
Este film nos hablará del valor de la amistad puesto que el grupo sale en busca del tesoro para no tener que separarse ( cosa que consiguen), de lo bueno que es no ser codicioso ( Mikey le deja la parte del tesoro que esta en una balancita al Tuerto Willy) y el hecho de ser una persona sin arrogancia ni creencias de superioridad como es el caso del hermano de Mikey que se queda con la chica de sus sueños a pesar de que ella está con el hijo del poderoso comerciante que les quiere quitar la casa. Este muchacho es sin duda una persona ambiciosa y arrogante dos cualidades que Brand no tiene y que enamoraran a Andy.
EL MALO MÁS BUENO:
Hace un tiempo, Silvio Soldán lo recordó diciendo que siempre hacía de malo, pero era un tipo bueno como pocos. Pero ese rostro de rasgos tenebrosos, lo convirtió en uno de los actores argentinos con más filmes hechos.Nathán Pinzón, en realidad Natalio Garfinkel, fue un actor, crítico y libretista de cine y televisión. Había nacido en Buenos Aires el 27 de febrero de 19 17.
Fue uno de los actores de trayectoria más prolongada en el cine argentino pues debutó en 1936 en el filme Santos Vega dirigido por Luis Moglia Barth y su última película fue El viaje dirigida por. Fernando Solanas en 1992 o sea 56 años después. La participación en tantas películas, en las cuales encarnó personajes malvados, se vio ayudada por las características de su rostro.
Se recuerda su actuación en filmes cómicos como El hombre invisible ataca de 1967, dirigido por Martín Rodríguez Mentasti y en dramáticos como El vampiro negro de 1953 dirigido por Román Viñoly Barreto en lo que un crítico calificara como "el papel de su vida” o en “La bestia debe morir” de 1952 con el mismo director encarnando "uno de los malos más malvados del cine argentino".
También trabajó en televisión, recordándose su participación en 1951 en el programa El telebar de las celebridades donde personificaba a un barman que charlaba con celebridades a las que recibía y la de 1960 donde trabajó junto a Horacio Priani en el programa de género policial El inspector Varela. En 1989 trabajó en la serie Historias que el diablo me contó, en 1985 en María de nadie y en 1979 en Viaje a lo inesperado.
Nathán Pinzón colaboró en 1940 en el programa Bar Gente de Cine que conducía por Radio Prieto el crítico Roland y que en 1942 dio origen a uno de los primeros cineclubs del país, el "Cine Club Gente de Cine"y escribió libretos para cine y televisión tales como Historias que el diablo me contó en 1989 y Libertad bajo palabra que en 1961 llevó al cine Alfredo Bettanín.
Dueño de una risa entrecortada, ojos enormes y baja estatura, su imágen inolvidable de un villano algo exagerado y torpe aparece en películas infantiles con Jorge Porcel (El gordo catástrofe), con los Superagentes (Los superagentes y el tesoro maldito) y con la Brigada explosiva (Los matamonstruos en la mansión del terror).
Falleció de un ataque cardíaco en Buenos Aires el 15 de agosto de 1993 .
Filmografía
- El viaje (1992) (dir. Fernando Solanas)
- Boda secreta (1989) (dir. Alejandro Agresti)
- Sur (1988) (dir. Fernando Solanas)
- Matar es morir un poco (1988) (dir. Héctor Olivera)
- Los matamonstruos en la mansión del terror (1987) (dir. Carlos Galettini)
- Las lobas (1986) (dir. Aníbal Di Salvo)
- El sol en botellitas (1985) (dir. Edmund Valladares)
- Fiebre amarilla (1983) (dir. Javier Torre)
- La pulga en la oreja (1981) (dir. Francisco Guerrero)
- Los superagentes y el tesoro maldito (1978) dir. Adrián Quiroga -Mario Sábato-
- El gordo catástrofe (1977) (dir. Hugo Moser)
- Saverio, el cruel (1977) (dir. Ricardo Wullicher)
- Los neuróticos o Los psexoanalizados (1977) (dir. Héctor Olivera)
- El sátiro (1970) (dir. Kurt Land)
- Amalio Reyes, un hombre (1970) (dir. Enrique Carreras)
- Pasión dominguera o Los hinchas (1970) (dir. Emilio Ariño)
- Sette uomini e un cervello o El gran robo (1968) (dir. Rossano Brazzi)
- Asalto a la ciudad (1968) (dir. Carlos Cores)
- Coche cama alojamiento (1968) (dir. Julio Porter)
- Villa Cariño (1967) (dir. Julio Saraceni)
- Ya tiene comisario el pueblo (1967) (dir. Enrique Carreras)
- El hombre invisible ataca (1967) (dir. Martín Rodríguez Mentasti)
- ¡Esto es alegría! (1967) (dir. Enrique Carreras)
- Del brazo con la muerte (1966) (dir. Carlos Lao)
- Escala musical (1966) (dir. Leo Fleider)
- La buena vida (1966) (dir. René Mugica)
- De profesión, sospechosos (1966) (dir. Enrique Carreras)
- Hotel alojamiento (1966) (dir. Fernando Ayala)
- Canuto Cañete, detective privado (1965) (dir. Leo Fleider)
- La herencia (1964) (dir. Ricardo Alventosa)
- Canuto Cañete y los 40 ladrones (1964) (dir. Leo Fleider)
- Los evadidos (1964) (dir. Enrique Carreras)
- Una jaula no tiene secretos (1962) (dir. Agustín Navarro)
- Propiedad (1962) (dir. Mario Soffici)
- Socia de alcoba¡¡ (1962) (dir. George M. Cahan)
- Quinto año nacional (1961) (dir. Rodolfo Blasco)
- Una americana en Buenos Aires (1961) (dir. George M. Cahan)
- Héroes de hoy (1960) (dir. Enrique Dawi)
- El rufián (1960) (dir. Daniel Tinayre)
- Reportaje en el infierno (1959) (dir. Román Viñoly Barreto)
- Bacará (1955) (dir. Kurt Land)
- La delatora (1955) (dir. Kurt Land)
- Embrujo en Cerros Blancos (1955) (dir. Julio C. Rossi)
- El juramento de Lagardere (1955) (dir. León Klimovsky)
- Tres citas con el destino o Maleficio (1954) (dir. León Klimovsky)
- El conde de Montecristo (1954) (dir. León Klimovsky)
- La telaraña (1954) (dir. Kurt Land)
- El paraíso (1953) (dir. Karl Ritter)
- El vampiro negro (1953) (dir. Román Viñoly Barreto)
- La bestia debe morir (1952) (dir. Román Viñoly Barreto)
- Sala de guardia (1952) (dir. Tulio Demichelli)
- De turno con la muerte (1951) (dir. Julio Porter)
- Historia de una noche de niebla (1950) (dir. José María Blanco Felis)
- Marihuana (1950) (dir. León Klimovsky)
- Captura recomendada (1950) (dir. Don Napy)
- La vendedora de fantasías (1950) (dir. Daniel Tinayre)
- El Zorro pierde el pelo (1950) (dir. Mario C, Lugones)
- Apenas un delincuente (1949) (dir. Hugo Fregonese)
- De hombre a hombre (1949) (dir. Hugo Fregonese)
- Juan Moreira (1948) (dir. Luis Moglia Barth)
- Pasaporte a Río (1948) (dir. Daniel Tinayre)
- El misterio del cuarto amarillo (1947) (dir. Julio Saraceni)
- ...Y mañana serán hombres (1939) (dir. Carlos Borcosque)
- Gente bien (1939) (dir. Manuel Romero)
- Divorcio en Montevideo (1939) (dir. Manuel Romero)
- Los pagares de Mendieta (1939) (dir. Leopoldo Torres Ríos)
- Santos Vega (1936) (dir. Luis Moglia Barth)
- [editar] GuionistaHistorias que el diablo me contó (1989) (televisión)
- Mate Cosido (1962) (dir. Goffredo Alessandrini)
- Rumbos malditos (1962) (dir. Goffredo Alessandrini)
- Libertad bajo palabra (1961) (dir. Alfredo Bettanín)
- La posesa (1961) (televisión)
- Al caer la noche (1960) (Miniserie para televisión)
- La parda Flora (1952) (dir. León Klimovsky)
- Hombres a precio (1950) (dir. Bernardo Spoliansky)
- Mis cinco hijos (1948) (dir. Bernardo Spoliansky y Orestes Caviglia)
Televisión
- Boro boro (1992) Serie
- Historias que el diablo me contó (1989) Serie
- María de nadie (1985) Serie
- Viaje a lo inesperado (1979) Serie
- Alta comedia Un episodio
- *Muerte civil (1971)
- El abuelo (1971)
- ¡Robot! (1970) Miniserie
- Los suicidios constantes (1961) Serie
- La salvaje (1961) Serie
- Los acosados (1960) Serie
- El inspector Varela (1960) Serie
- El telebar de las celebridades(1951)
UN CONDOR AMERICANO Y SOBERANO:
Cóndor Crux fue un filme argentino de animación y dibujos estrenado en enero de 2000 que, lamentablemente, no tuvo tanta repercusión como merecía. Entre sus puntos destacables está, también, la originalidad de su trama con fuerte arraigo latinoamericano. Es este artículo presentamos información sobre el guionista del filme. Omar Quiroga comenzó su carrera en 1989, trabajando como humorista político en radio, junto a Pedro Saborido. Durante 4 años, en Radio Mitre y FM100 su trabajo fue aclamado por la audiencia y recibieron numerosos premios (Martín Fierro, Broadcasting, Argentores).
En 1991, ingresó a la televisión trabajando como guionista para Tato Bores, un clásico del humor político produciendo los ciclos Tato, la leyenda continúa (1991, Artear), Tato de América (1992, Artear) y Good Show (1993, Telefé), éste último, ciclos premiado en el país y en el exterior (Martín Fierro, Ondas).En 1995 fue convocado por Leonardo Favio, y se sumó como guionista a la producción del film Perón, Sinfonía del Sentimiento.
Al año siguiente se dedicó a proyectos interactivos: el lanzamiento de la web del Grupo Clarín Ciudad Digital, y la creación de tres CDRoms: Che, viaje a la revolución, Historia del Movimiento Peronista y Astor Piazolla: Prepárense. Durante este período, y hasta 1997, trabajó como profesor de guión en Tea Imagen, escuela de producción televisiva.
En 1997 viajó como guionista a través de Egipto, Turquía y Rusia acompañando al cocinero Gato Dumas.
Entre 1998 y 2000 desarrolló el personaje Locohead, un conductor animado para la señal regional Locomotion Channel; escribió y dirigió Un Mundo Perfecto, documental basado en viajes a través de América Latina, y escribió Condor Crux – La Leyenda , film de animación 3D estrenado en 2000 y ganador del premio Cóndor de Plata; escribió y dirigió COMPLOT!, serie documental – histórica sobre conspiraciones políticas en Latinoamérica.
En 2001 produjo las series documentales Nazis en Latinoamérica, y Profesión: espía, y en 2002 comenzó a trabajar en su primer largometraje, Sueños Atómicos, que tuvo, entre otros, la actuación de Ulises Dumont.
DE NUESTRA EDITORIAL
TRON,
pasado y presente
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Tron, el filme recientemente estrenado por Disney, tiene un aporte novedoso al mundo de la globalización de este siglo XXI. Quiebra el molde de las reversiones (o remakes) dando continuidad a la trama original y permitiéndole actualizarse.
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Si algo debo destacar de las bondades de la red es que me permite pasar tiempo mirando antiguas series y películas de “mis tiempos”, los ochenta. A su vez, he visto últimamente muchos intentos por reponer en las pantallas los antiguos éxitos. Ninguno ha logrado pasar del ensayo y, en la mayoría de los casos, tampoco merecería dársele esa categoría, porque no se respetan personajes, vestimentas, armamentos, vehículos, y, lo más importante, un sentido de continuidad temporal.
Tron es la mejor película que vi en este sentido nostálgico del arte. Porque, sin querer entrar en los detalles de la trama, el filme de XXX retoma la línea abandonada por en 1982 por la primera película y la actualiza a nuestros días con un despliegue técnico sobresaliente. Con la mayoría de los filmes que repasan los éxitos nostálgicos de hace 10 y 20 años (los Dukes de Hazzard, V invasión extraterrestre, Hulk, los Angeles de Charllie, Mision Imposible, Starsky y Hutch, Brigada A, Karate Kid) tuve la sensación de que no intentaron nunca retomar las antiguas líneas argumentales sino que las sustituyeron por personajes con fisonomías actuales, paisajes modernos, robots, explosiones, lásers.
El nuevo filme abre una puerta que creo hasta el día de hoy no se había explorado, o se lo había hecho con mucho temor. La puerta de la continuidad de los años ochenta, que dejan de ser vistos como une época desvalorizada para colocarla en la línea temporal que conduce al 2010. TRON no se olvida en ningún momento de la idea original de 1982, aunque la deja atrás.
La mayoría de las filmaciones qui repasan éxitos nostálgicos de hace 10 y 20 años (BatmDukes de Hazzard, V invasión extraterrestre, Brigada A, Karate Kid) no intentan retomar la antigua trama, sino que se alejan casi por completo y eligen personajes con fisonomías actuales, paisajes modernos, robots, explosiones, lásers , en resúmen, elementoz que destaquen la "modernización" de la antigua saga. En el caso de TRON los ochenta están presentes en la recuperación de los viejas locaciones, máquinas de video juego, y hasta un personaje con la fisonomía de su aspecto en los años 80. El concepto técnico está puesto aquí con una idea nueva: recuperar el pasado, actualizarlo pero sin echar por tierra con todo lo anterior. El “truco” visual había sido utilizado por la ultima edicion de Terminator, donde reaparecía en escena un robot con el rostro de Arnold Schwarzenegger.
La magia de TRON es colocar un ladrillo más sobre aquella primera película, explicando que ninguna época se ha muerto, sino que queda atrás. Disney no elige mofarse del rostro juvenil de Bridges, sino que lo repone en escena, le hace recobrar un aspecto actual.
EL INIGUALABLE DAVID BANNER:Compartimos una completa biografía de Bill Bixby, actor que encarnó al científico David Banner en El Increíble Hulk * El 22 de enero hubiese cumplido 77 años.
Bixby, una cuarta generación de origen Inglés, nació con Wilfred Bailey Bixby Everett III en San Francisco, California. Su padre, Wilfred Bailey Everett Jr., era un empleado de la tienda y su madre, Jane (apellido de soltera de McFarland) Bixby, fue gerente senior de I. Magnin & Company. Cuando Bixby tenía ocho años, su padre se alistó en la Marina de los EE.UU. durante la Segunda Guerra Mundial y viajó hacia el Pacífico Sur. Estudió en Lowell High School, donde perfeccionó sus habilidades de oratoria y dramática como miembro de la Sociedad Forense Lowell. A pesar de que sólo recibió los grados promedio, también compitió en torneos de alta escuela regional. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1952, contra los deseos de sus padres, se especializó en teatro en San Francisco City College, donde fue compañero de su futura esposa, la actriz Lee Meriwether. Más tarde, asistió a la Universidad de California, Berkeley. Sólo cuatro créditos a corto de obtener un título, Bixby abandonó la universidad y se unió a los Estados Unidos Cuerpo de Marines después de haber sido reclutado por el Ejército de los Estados Unidos durante la Guerra de Corea. Bixby servido en Estados Unidos en los infantes de marina y fue dado de baja honorablemente.
Luego se mudó a Hollywood, donde hizo una serie de pequeños trabajos que incluyeron botones y socorrismo. Organizó muestra en un hotel en Jackson Hole, Wyoming. En 1959, fue contratado para trabajar como modelo y hacer el trabajo comercial para la General Motors y Chrysler.
En 1961, Bixby estaba en el musical The Boy Friend en el Teatro Cívico de Detroit, de regreso en Hollywood hace su debut en televisión en un episodio de The Many Loves of Dobie Gillis. Se convirtió en un actor muy respetado y fue invitado a muchas series de TV 1960 como Ben Casey, The Twilight Zone, The Andy Griffith Show, el Dr. Kildare y Hennessey. También se unió al elenco de The Joey Bishop Show en 1962. Durante la década de 1970, hizo apariciones en series de televisión como Ironside, Insight, Costa de Berbería, en el mar, centro médico, cuatro episodios de Love, American Style, Isla de la Fantasía y dos episodios de The Streets of San Francisco. En 1976, recibió dos nominaciones a los premios Emmy, uno por las calles de San Francisco y el otro por Rich Man, Poor Man.
Bixby tomó el papel del joven reportero Tim O'Hara en la comedia de CBS 1963, My Favorite Martian, en la cual co-protagonizó junto a Ray Walston. Pero en 1966, los altos costos de producción obligaron a la serie a ser levantada después de 107 episodios. Después de la cancelación, Bixby protagonizó cuatro películas: Ride Beyond Vengeance, Doctor, You've Got to Be Kidding y dos de las películas de Elvis Presley, Clambake, y Speedway. Rechazó el papel como el novio de Marlo Thomas en el éxito de Esa Chica y protagonizó dos fallidos pilotos.
En 1969, protagonizó Bixby en su segundo papel de alto perfil de la televisión, como Tom Corbett en El noviazgo del padre de Eddie, una comedia-drama de la cadena ABC. La serie trataba de un padre viudo criando a un hijo pequeño. Esta serie fue también la respuesta a la década de 1960 y otras comedias de 1970 que trataban de viudez, como The Andy Griffith Show, My Three Sons, The Eleventh Hour, The Beverly Hillbillies, , The Lucy Show, Family Affair, Julia, El Mostrar Doris Day, The Partridge Family y Sanford and Son. El co-protagonista con Bixby en la serie era un desconocido niño, Brandon Cruz, con quien desarrolló una estrecha relación que se tradujo en una amistad fuera de la cámara también. El elenco se completaba con actriz ganadora del Oscar Miyoshi Umeki, James Komack y la actriz desconocida Cristina Holanda como Tina. En uno de los episodios participó por la futura esposa de Bixby.
Bixby fue nominado para el Premio Emmy por Mejor Actor en Serie de Comedia en 1971. Al año siguiente, ganó el Premio al Servicio para 1972. También hizo su debut como director en la serie en 1970. ABC levantó la serie en 1972 al final de la tercera temporada.
Después de que el show fue cancelado, las dos estrellas se mantuvieron en contacto, y Cruz fue incluso invitado en el próximo programa de enorme popularidad Bixby, El Increíble Hulk. La muerte del único hijo de Bixby, en 1981, acercó a Bixby y Cruz, más cerca todavía. Los dos permanecieron en contacto hasta la muerte de Bixby en 1993. En 1995, Cruz pondría el nombre de su amigo a su propio hijo: Lincoln Bixby Cruz.
En 1973, Bixby protagonizó El Mago. La serie fue muy querido, pero sólo duró una temporada, probablemente víctima de la huelga de guionistas de Hollywood de 1973, y los altos costos de producción.
Co-protagonizó con Tim Conway y Don Knotts en la película de Disney The Gang Manzanita de
Volviendo a la televisión, trabajó con Susan Blakely en Rich Man, Poor Man, en una miniserie de televisión de gran éxito en 1976. Interpretó un piloto de acrobacias temerarias en un episodio de la efímera aventura de la serie de CBS 1976 Spencer Pilots, protagonizada por Gene Evans. En 1977, Bixby apareció con Donna Mills, Richard Jaeckel, y William Shatner en el último episodio, titulado "La cinta escarlata", de la serie del oeste de
El Increíble Hulk:
A pesar de que inicialmente rechazó el papel del Dr. David Banner en The Incredible Hulk, debido a sus orígenes como historieta, en la lectura de un texto Kenneth Johnson para el episodio piloto fue persuadido a cambiar de opinión (y convino en seguir participando en la serie por el tiempo en que Johnson iba a participar). En consecuencia, Bixby actuó como el Dr. David Bruce Banner en una película piloto de dos horas llamado The Incredible Hulk, basada libremente en el personaje de Stan Lee y Jack Kirby de Marvel de las historietas. Su éxito (junto con algunos estrenos cinematográficos de la película en Europa), convencieron a la CBS para convertirlo en una serie semanal de ciencia ficción que comenzó a transmitirse a principios de 1978. Fue un gran éxito internacional, visto en más de setenta países. El espectáculo hizo de Bixby un icono pop de finales de los 70 y principios de los 80. Lou Ferrigno, un culturista y una estrella menos conocidos de la época, interpretó a Hulk. El programa también contó con el veterano actor Jack Colvin como periodista de investigación Jack McGee, que persigue a Banner a través de toda la serie. Una línea famosa de diálogo del episodio piloto del Dr. Banner decía: "Sr. McGee, no me haga enojar. No soy yo cuando estoy enojado." – Esta se convirtió rápidamente en una frase mundialmente conocida. El piloto también lo protagonizó Susan Sullivan como la Dra. Elaina Marks, quien trata de ayudar al conflicto de Banner y a superar su "problema" con su esposa y se enamora de él en el proceso.
Durante la serie, Bixby invitó a dos de sus amigos desde hace mucho tiempo, Ray Walston y Brandon Cruz, en diferentes episodios de la serie. También trabajó en el programa con su amiga, la actriz de cine Mariette Hartley. En el Hulk, la Sra. Hartley apareció en el episodio memorable de doble longitud “Casado” (en la que David encuentra otra fuente de ayuda con la que se enamora y se casa) y, posteriormente, ganó un premio Emmy por su aparición. Futuras estrellas como Loni Anderson también fue invitada por Bixby durante la primera temporada. Bixby dirigió un episodio de Hulk, "Quiero la cabeza de Hulk" en 1980 (Fecha de emisión original: 9 de enero de 1981 ). La serie fue cancelada después de la temporada siguiente, pero los episodios de sobra salieron al aire en el próximo mes de junio. Bixby estaba decepcionado de que su personaje no estaba curado de su condición en el último episodio. [Cita requerida] Sin embargo, esta falta de cierre dejó la puerta abierta para futuros proyectos. Por lo tanto, Bixby más tarde pudo repetir el papel en tres películas para televisión: El regreso de The Incredible Hulk, El Juicio del Increíble Hulk, y La muerte del increíble Hulk. Dos películas más de televisión iban a ser planeadas. Sin embargo, debido al deterioro de la salud Bixby, todos estos proyectos fueron cancelados.
El rol de Bixby como David Banner fue elogiada rotundamente por los críticos y aficionados por igual.
Después de terminar The Incredible Hulk, Bixby decidió centrarse en dirigir y actuar. Dirigió y protagonizó su propia comedia, Buenas noches, Beantown, co-protagonizada por Mariette Hartley. También dirigió la comedia satírica policía Sledge Hammer!
Bixby dirigió dos de las tres Hulk secuelas de películas de televisión en la década de 1980 y en 1990. También ha dirigido la mayor parte de la tercera temporada de la sitcom de NBC Flower. Además, en 1992, Bixby se convirtió en un firme defensor de la investigación sobre el cáncer de próstata.
Su fallecimiento ocurrió el 21 de noviembre de 1993 , a causa de un cáncer.
El ingenio detrás del actor
Con una impronta del humor tradicional argentino, Hugo Sofóvich se convirtió en un libretista, director y productor cinematográfico y televisivo brillante. Aquí ofrecemos la nota que publicó el diario La Nación el día de su fallecimiento, recopilando datos biográficos y testimonios. Había nacido el 18 de diciembre de 1939. Fuente: diario La Nación.
A los 63 años murió ayer Hugo Sofovich
Su obra se centró en el humor pícaro
Ayer, luego de padecer una larga enfermedad, que su familia prefirió no revelar, murió el productor, guionista y director de televisión, cine y teatro Hugo Sofovich.
Hugo Sofovich, que trabajó muchos años con su hermano mayor y ex socio, Gerardo, falleció pasadas las 16, en el Instituto Argentino del Diagnóstico, en Barrio Norte, donde estuvo cuatro días internado en grave estado, según informó un cable de la agencia DyN.
Sofovich, que tenía 63 años, dirigió y escribió una gran cantidad de éxitos en el cine, la televisión y la revista porteña, aunque su nombre quedó siempre emparentado con los de Alberto Olmedo, Jorge Porcel, Susana Giménez y Moria Casán.
En 1963, los hermanos Sofovich comenzaron su carrera como guionistas de TV en el programa "Balamicina", con Carlos Balá, y, pocos meses después, crearon para Canal 11 uno de los programas humorísticos más exitosos de la pantalla chica local, "Operación Ja Ja".
Junto a su hermano, y luego solo, Hugo Sofovich fue el responsable de éxitos del cine como "Los caballeros de la cama redonda", "Expertos en pinchazos" y "Departamento compartido", entre otros.
Claro que el guionista siempre será recordado por su sociedad creativa con Alberto Olmedo. Durante 24 años escribió los personajes que éste interpretó en cine y TV.
En 1998, a punto de estrenar "Rompeportones", uno de sus últimos trabajos televisivos (hacia el final de su carrera, escribió guiones para Susana Giménez y Moria Casán), Sofovich recordó a LA NACION sus creaciones favoritas, siempre corporizadas por Olmedo.
"Si tengo que elegir por popularidad: "El manosanta". Pero no creo que sea el mejor personaje. A mí me gustaban mucho más "el Yéneral González", "el mayordomo Perkins", "Rogelio Roldán", "José Luis Borges" y "Chiquito Reyes"."
En cine, participó de 19 películas, de las cuales dirigió 16. La última, "La herencia del tío Pepe", se estrenó en 1998. Antes estuvieron "Los doctores las prefieren desnudas", la última que filmó con su hermano Gerardo, y la mayoría de las películas que hicieron juntos Olmedo y Porcel: "Custodias de señoras", "Expertos en pinchazos", con Moria Casán; "El rey de los exhortos", con Susana Giménez, y "Así no hay cama que aguante", con Porcel y Moria.
Filmó "A los cirujanos se les va la mano", con Olmedo, Porcel, Moria y Susana; "Departamento compartido", con Olmedo, Tato Bores y Graciela Alfano; "Te rompo el rating", con Porcel y Moria; "Las mujeres son cosa de guapos" y "Amante para dos", con Tato y Moria.
Desde su debut en 1963 y hasta 1974, los hermanos Sofovich trabajaron juntos, pero algunos desacuerdos durante el rodaje de "Los doctores las prefieren rubias" provocaron un distanciamiento laboral y familiar que duró 25 años.
En 1998 se reconciliaron públicamente. Según contaron en una visita en "Almorzando con Mirtha Legrand", un encuentro casual en un shopping de Miami consiguió acercarlos. De los motivos precisos de tantos años de pelea ninguno quiso dar detalles. Ayer, Gerardo Sofovich declaró que había regresado de sus vacaciones en Punta del Este para acompañar a su hermano en sus últimos momentos.
En teatro, siempre en el rubro humorístico, Sofovich dirigió la revista "No rompan las olas" y "El bicho tuvo la culpa", entre otras, ambas en Mar del Plata.
Su última obra En 2001 presentó su última obra "Bendita clase media", con Moria Casán y Juan Carlos Calabró.
Experto en humor pícaro, siempre tuvo muy claro qué era lo que el público esperaba de él. "Estoy absolutamente seguro de lo que hago. Los críticos me juzgan como si yo fuese poco menos que Ingmar Bergman y no tienen en cuenta que mis historias son para un público que ve en ello la diversión y el pasatiempo... A pesar de esos críticos "culturosos", hace muchos años que los espectadores me siguen con una enorme fidelidad... Para ellos son mis trabajos", explicó a LA NACION en los tiempos del estreno de su última película.
Los comienzos de un cineasta
Esta sería la estructura del monomito y su relación directa con la primera película de Star Wars (no el Episodio I, sino la original, la clásica):
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Sofovich, que tenía 63 años, dirigió y escribió una gran cantidad de éxitos en el cine, la televisión y la revista porteña, aunque su nombre quedó siempre emparentado con los de Alberto Olmedo, Jorge Porcel, Susana Giménez y Moria Casán.
En 1963, los hermanos Sofovich comenzaron su carrera como guionistas de TV en el programa "Balamicina", con Carlos Balá, y, pocos meses después, crearon para Canal 11 uno de los programas humorísticos más exitosos de la pantalla chica local, "Operación Ja Ja".
Junto a su hermano, y luego solo, Hugo Sofovich fue el responsable de éxitos del cine como "Los caballeros de la cama redonda", "Expertos en pinchazos" y "Departamento compartido", entre otros.
Claro que el guionista siempre será recordado por su sociedad creativa con Alberto Olmedo. Durante 24 años escribió los personajes que éste interpretó en cine y TV.
En 1998, a punto de estrenar "Rompeportones", uno de sus últimos trabajos televisivos (hacia el final de su carrera, escribió guiones para Susana Giménez y Moria Casán), Sofovich recordó a LA NACION sus creaciones favoritas, siempre corporizadas por Olmedo.
"Si tengo que elegir por popularidad: "El manosanta". Pero no creo que sea el mejor personaje. A mí me gustaban mucho más "el Yéneral González", "el mayordomo Perkins", "Rogelio Roldán", "José Luis Borges" y "Chiquito Reyes"."
En cine, participó de 19 películas, de las cuales dirigió 16. La última, "La herencia del tío Pepe", se estrenó en 1998. Antes estuvieron "Los doctores las prefieren desnudas", la última que filmó con su hermano Gerardo, y la mayoría de las películas que hicieron juntos Olmedo y Porcel: "Custodias de señoras", "Expertos en pinchazos", con Moria Casán; "El rey de los exhortos", con Susana Giménez, y "Así no hay cama que aguante", con Porcel y Moria.
Filmó "A los cirujanos se les va la mano", con Olmedo, Porcel, Moria y Susana; "Departamento compartido", con Olmedo, Tato Bores y Graciela Alfano; "Te rompo el rating", con Porcel y Moria; "Las mujeres son cosa de guapos" y "Amante para dos", con Tato y Moria.
Desde su debut en 1963 y hasta 1974, los hermanos Sofovich trabajaron juntos, pero algunos desacuerdos durante el rodaje de "Los doctores las prefieren rubias" provocaron un distanciamiento laboral y familiar que duró 25 años.
En 1998 se reconciliaron públicamente. Según contaron en una visita en "Almorzando con Mirtha Legrand", un encuentro casual en un shopping de Miami consiguió acercarlos. De los motivos precisos de tantos años de pelea ninguno quiso dar detalles. Ayer, Gerardo Sofovich declaró que había regresado de sus vacaciones en Punta del Este para acompañar a su hermano en sus últimos momentos.
En teatro, siempre en el rubro humorístico, Sofovich dirigió la revista "No rompan las olas" y "El bicho tuvo la culpa", entre otras, ambas en Mar del Plata.
Su última obra En 2001 presentó su última obra "Bendita clase media", con Moria Casán y Juan Carlos Calabró.
Experto en humor pícaro, siempre tuvo muy claro qué era lo que el público esperaba de él. "Estoy absolutamente seguro de lo que hago. Los críticos me juzgan como si yo fuese poco menos que Ingmar Bergman y no tienen en cuenta que mis historias son para un público que ve en ello la diversión y el pasatiempo... A pesar de esos críticos "culturosos", hace muchos años que los espectadores me siguen con una enorme fidelidad... Para ellos son mis trabajos", explicó a LA NACION en los tiempos del estreno de su última película.
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Natalia Trzenko /
Lunes 13 de enero de 2003 |
Un tal Lucas
A propósito de un nuevo aniversario del estreno de la saga en nuestro país, repasamos sus orígenes.
George Lucas es el gran genio creador de la saga de filmes "La Guerra de las Galaxias". En la siguiente nota un repaso del momento especial que vivían los Estados Unidos cuando se estrenó el filme, sus inicios profesionales como director, la lucha para filmar y los elementos que inspiraron la historia.
Estados Unidos a principios de los setenta...
Con la carrera espacial prácticamente terminada, la inquietud por la Guerra fría y el miedo a una Tercera Guerra Mundial, América se hallaba sumida en una situación de angustiosa perplejidad. Tras la crisis del Watergate y la consiguiente dimisión del Presidente Nixon, la sociedad estadounidense se volvió escéptica respecto a la vida política y al gran sueño americano. Dominaba un pesimismo existencial que era alimentado periódicamente con el recuerdo de Vietnam, y de forma más insistente con la imparable inflación económica. La crisis del petróleo convertía el panorama en un horizonte de escepticismo y negrura.
En estas circunstancias, también el cine de Hollywood parecía abocado al desencanto. Películas de catástrofes (Terremoto, El coloso en llamas, La aventura del Poseidón) crearon un nuevo género para dar salida a ese sentimiento de desesperanza. Junto a estas cintas, otras cargadas de un mayor desengaño brillaron con fuerza en la ceremonia de los Oscar. Si en los sesenta habían triunfado películas positivas y familiares (My fair lady, Sonrisas y lágrimas, Oliver, Un hombre para la eternidad...), durante el primer lustro de los setenta resultaron premiadas cintas con una visión negra y ácida de la condición humana: Patton, Contra el imperio de la droga, El Padrino I y II, Alguien voló sobre el nido del cuco, Chinatown...
El sistema de Estudios se debilitaba con el auge de las productoras independientes y el nuevo cine de autor. En esas circunstancias, los directivos de los estudios dirigieron su mirada a las nuevas generaciones de cineastas que se formaban en las escuelas de cine de todo el país. Woody Allen, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese y Steven Spielberg empezaban a despegar en esos años, y ninguno sobrepasaba los treinta y cinco años. Entre todos ellos, el que pasaba más desapercibido era un joven barbudo y silencioso que había llegado al cine casi por casualidad.
George Walton Lucas había nacido en Modesto (California) el 14 de mayo de 1944. Durante su juventud, leyó los seriales de Flash Gordon y muchos clásicos de aventuras como La isla del tesoro o Las aventuras de Robin Hood. Aficionado a los coches, pensó en dedicarse al automovilismo profesional, pero un grave accidente que casi le cuesta la vida le disuadió de tomar ese rumbo. A pesar de ello, casi todas sus películas en el futuro reflejarán de una forma o de otra la pasión por los vehículos.
En 1963, con apenas diecinueve años, Lucas se decanta por el mundo del celuloide y se matricula en la Escuela de Cine de la Universidad de California. Allí escribe y dirige una decena de cortometrajes, entre los que destacan Herbie (1966, sobre el famoso automóvil), The emperor (1967) y THX 1138 4EB: The electronic labyrinth (1967). Con ésta última cinta gana un premio en su Facultad y una beca para asistir a un rodaje de la Warner Bros., El valle del arco iris (1967), que dirige Francis Ford Coppola. Al poco de conocerse, surge entre los dos cineastas una profunda amistad y poco más tarde, en 1969, se deciden a fundar su propia productora: American Zoetrope. En los dos años siguientes Lucas trabaja a las órdenes de Coppola: como ayudante de dirección en Llueve sobre mi corazón (1969), y como director de fotografía en el famoso documental sobre los Rolling Stones Gimme Shelter (1970). Por su parte, el director italoamericano le anima a escribir una ampliación de su cortometraje, y así Lucas escribe y dirige su primera película: THX 1138 (1971). Animado por el éxito de esta cinta, funda su propia compañía, Lucasfilm Ltd., cuyo primer filme será American graffiti (1973). Esta cinta, producida por Coppola y rodada en tan sólo 28 días, pretendía ser una mirada nostálgica sobre los últimos años cincuenta, una historia de jóvenes y coches -otra vez los automóviles- que fue un prodigio de rentabilidad, además de obtener varios premios cinematográficos importantes, entre ellos el Globo de Oro a la mejor película de comedia, el premio de la New York Film Critics Association y cinco nominaciones a los Oscar. De esas cinco, tres eran para Lucas: mejor película, mejor director y mejor guión original.
Con el aval de este triunfo inesperado, Lucas se siente entonces con fuerza suficiente como para acometer un proyecto mucho más complejo y ambicioso que ha empezado ya a preparar en su última producción. Se trata de una historia de ciencia ficción, como THX 1138, pero muy diferente en cuanto a estilo, argumento y escala de producción. Provisionalmente ha decidido titularlo The Star Wars.
Origen de la historia
Lucas nunca ha dejado muy claro cuál fue el origen del argumento, aunque siempre declaró que se había inspirado en los grandes clásicos de aventuras de ciencia-ficción. Al parecer, su primera idea fue hacer una película basada en el personaje de Flash Gordon, pero como los derechos sobre ese cómic los había comprado Dino de Laurentiis (quien produjo una versión muy renombrada años más tarde, en 1984), el director californiano decidió elaborar su propia historia fantástica.
El primer borrador del argumento -una sinopsis de trece folios fechada en mayo de 1973-, se titulaba sencillamente The Star Wars. Y en él la acción no transcurría "hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana"; ni la princesa se llamaba entonces Leia, ni existían los androides ni tampoco el capitán Han Solo. De hecho, la primera versión del argumento se situaba en un lejano futuro, en la centuria 33 de nuestra era, y sus personajes tenían poco que ver con los que finalmente aparecerán en la película, pues Darth Vader aún no existía y Luke Skywalker (que en versiones posteriores se apellidaría Starkiller) no era un joven piloto, sino un general de mucha más edad, con ademanes y atuendo de samurai.
Con esa sinopsis de trece páginas, Lucas se presentó en los Estudios Universal pensando que le aprobarían fácilmente su proyecto. Tras el reciente éxito de American graffiti, producida por la Universal , Lucas se había dado a conocer en Hollywood y muchos en ese estudio se habían hecho de oro gracias a él. Además, había demostrado ser un director bastante rentable, pues el millón de dólares que había costado esa cinta había proporcionado más de cincuenta en la taquilla. Sin embargo, los jefes del estudio desconfiaban mucho de las películas de ciencia-ficción: el último gran proyecto de la MGM , 2001: Una odisea del espacio, había resultado un gran fiasco económico del que habían tomado buena nota todas las grandes productoras. Así que, a pesar de su buena estrella, George Lucas recibió un rotundo no a su propuesta de rodar una película galáctica. Algo dolido por la respuesta, lo intentó de nuevo en la United Artists con un argumento ligeramente retocado, pero también allí rechazaron el proyecto. Los comienzos no podían ser más desalentadores.
Tras la reticencia de los Estudios, Lucas comprendió que debería hacer la película en su propia productora, Lucasfilm Ltd. Para preparar la búsqueda de financiación en diversos estudios, contrató al dibujante Ralph McQuarrie para que diseñara 6 bocetos de los futuros decorados que acompañarían su sinopsis de trece páginas y harían más visual su propuesta de película. McQuarrie siguió las indicaciones de Lucas y dibujó a los personajes muy diminutos para que destacaran en primer plano los grandes decorados que el director le había descrito hasta en los menores detalles.
Campbell y el mito del héroe
En la posterior transformación del argumento hasta llegar al definitivo, influyeron varios factores. Quizás el más importante fue la lectura, en los últimos meses de 1973, de varias obras del antropólogo Joseph Campbell. Lucas devoró sus reflexiones sobre los orígenes del mito y los diversos motivos literarios universales. Mucho le influyó la lectura de El héroe de las mil caras, que estudia la naturaleza mitológica común a todas las culturas y establece los principales arquetipos en el recorrido del héroe: el anciano mago bueno, el joven que inicia la aventura, el señor del mal que urde su caída. Incluso determina algunas tramas específicas, como la búsqueda de un objeto mágico o la búsqueda del propio padre.
Mientras tanto, y con toda la escritura de esos meses, en la primavera de 1974 Lucas se dio cuenta de que la historia desbordaba ya el marco de una sola película. Su guión inacabado superaba ya las 200 páginas, y comprendió que sólo con el primer acto de la historia tenía ya material para su película. Había escrito sin parar durante más de un año y no quería desprenderse de tanto esfuerzo invertido, por lo que en el verano de 1974 tomó la resolución de hacer tres películas, una con cada uno de los tres actos. No sabía cómo las llevaría a término, pues pensaba que la Fox no le daría más dinero para secuelas, pero se determinó a escribir La Guerra de las Galaxias como una saga de tres argumentos consecutivos.
Además, y como parte de su tarea creativa, Lucas fue escribiendo también la historia pasada de todos los personajes (Darth Vader, Obi-Wan, Luke Skywalker, Princesa Leia, Palpatin) con el propósito de comprender mejor la relación de todos estos personajes. Y de ahí surgió la idea de que Vader podría haber sido el padre de Luke y de Leia, y de que Lord Vader y Obi-Wan habían sido grandes amigos -en una relación de aprendiz y mentor- unos veinte años antes de que comenzara su historia. De todo ese material, con el tiempo, surgirían las tres "precuelas" o historias precedentes a la trilogía de las galaxias: La amenaza fantasma (1999), El ataque de los clones (2002) y La venganza de los Sith (2005).
El 28 de enero de 1975, George Lucas firma su segundo borrador, que resulta mucho más cercano a la historia que todos conocemos. Esta versión, titulada "Adventures of the Starkiller (Episode one)", contiene muchos más elementos míticos que la versión definitiva, e incluye también una completa información de toda la saga intergaláctica. En los títulos iniciales se nos dice que la República Galáctica fue fundada en un pasado remoto por un hombre eminente llamado Skywalker. Él descubrió la "Fuerza", definida como un campo de energía que influye en el destino de todas las criaturas. La Fuerza se compone de dos mitades, una buena llamada "Ashla", y otra mala llamada "Bogan". La primera contactó con Skywalker y le hizo sabio y poderoso, pero éste se dio cuenta de que los débiles podían ser seducidos por la otra mitad, y decidió transmitir su conocimiento tan sólo a doce jóvenes, los cuales lo transmitirían a sus hijos y constituirían la Comunidad Jedi de Ashla.
Habría cuatro bocetos de guiones hasta alcanzar el definitivo, que se plasmó en la película estrenada en 1977 con el subtítulo "Una nueva esperanza".
El camino del héroe
Los monomitos son un grupo de historias de 3 actos (presentación, nudo y desenlace) que tienen una serie de pautas comunes entre ellos, el más famoso es el monomito del héroe. El punto en común entre ellos es el de los arquetipos, estos se van repitiendo continuamente de una historia a otra, son un perfil humano psicológico al completo y debido a su universalidad se repiten de una historia a otra. En "El héroe de las mil caras", el libro publicado en 1949, el mitógrafo estadounidense Joseph Campbell trata el tema del viaje del héroe, un patrón narrativo que se ha encontrado en las historias y leyendas populares. Según Campbell, el héroe suele pasar a través de ciclos o aventuras similares en todas las culturas. Resumido en la tríada: Separación - Iniciación - Retorno.
Esta sería la estructura del monomito y su relación directa con la primera película de Star Wars (no el Episodio I, sino la original, la clásica):
1.El mundo ordinario: La vida de Luke en Tatooine como granjero
2.La llamada a la aventura: El mensaje de Leia en R2-D2
3.El rechazo a la llamada: Luke refusa la petición de Ben de acompañarle a Alderaan.
4.Conociendo al mentor: Luke conoce a Obi-Wan Kenobi, obtiene un sable de luz,
5.Cruzando el primer umbral: Los padres adoptivos de Luke son asesinados, se promete a luchar contra el imperio.
6.Pruebas, Aliados, Enemigos: Escapan de Mos Eisley, conocen a Han & Chewbacca.
7.Acercarse a la cueva más profunda: Absorbidos a la Estrella de la Muerte.
8.El supremo calvario: El rescate de la Princesa Leia
9.Recompensa: Escape con la Princesa Leia y los planos.
10.El camino de vuelta: Derrotando a los Tie-Fighters y preparación del asalto a la
Estrella de la Muerte.
11.Resurrección: El Ala X de Luke a punto de ser destruido por Darth Vader.
12.Retorno con el elixir: Luke retorna al hangar, ceremonia de condecoración
Luego tenemos a los arquetipos, Luke es el arquetipo del héroe mientras que Darth Vader es el arquetipo de la sombra, la sombra jamás es el malo supremo y con un poder enorme dentro de la historia sino que más bien es la representación en lo que el héroe se puede llegar a convertir si no supera sus pruebas. La primera vez que en Star Wars vemos a Vader lo que vemos es un asesino, la impresión continua de los que vieron la primera película en el cine fue esa. Es más, Obi-Wan le dice a Luke que Vader es el ejemplo de una persona que se ha alejado del camino que tendrá que seguir Luke.
DeLorean DMC-12 el auto de volver al futuro
25 años después del estreno de la película en la pantalla grande, te contamos su historia
Recuerden por favor la película "Volver al Futuro". Visualicen las peripecias del Dr. Emmet Brown (Christopher Lloyd) y de Marty Mc Fly (Michael J. Fox) que viajaban del presente, al pasado y luego enredosamente al futuro en una extraña maquina, parecida a un automóvil. Pues les cuento que lo más real de esta futurística película de hace 25 años, es nada más ni nada menos que el automóvil. Se trata de un DeLorean DMC-12, una pieza importante en la historia de los constructores independientes de autos.
El que fuera un ejecutivo estrella de General Motors, John Z. DeLorean, desafió a la industria automotriz cuando decidió fabricar sus propios autos deportivos denominados "éticos" en una fábrica en Irlanda del Norte, para ser más específicos en Dummurry.
El DMC-12 era un auto construido en acero inoxidable, pulido y sin pintura, el creador del concepto fue Giorgetto Guigiaro. El diseño era fenomenal, las puertas de ala de gaviota lo hacían ver futurista y de otro planeta, -quizás por eso Robert Zemeckis pensó en este auto para la película.
La mecánica corría a cargo de un motor central de origen francés y sueco, un PRV (Peugeot, Renault, Volvo) de seis cilindros en V de casi tres litros y con una inyección de combustible Bosch K-Jetronic, novedosa en la época, pero convencional.
El DMC-12 no era un cohete, su desempeño era promedio, muy caro para lo que ofrecía. Lo irónico de este auto, cuyo creador llamó "ético", es que éste mismo usó medios muy poco "éticos" para tratar de salvar su compañía de la quiebra. Incluso John Z. DeLorean fue acusado, enjuiciado y encarcelado por tráfico de drogas por más de 25 millones de dólares y fue absuelto en 1984.
En el corto período de vida de la marca, 1981 y 1982 se fabricaron 6.500 autos. Pero el día de hoy es posible adquirir uno completamente nuevo con cero kilómetros con un fabricante independiente que compró los derechos de la marca en 1997.
John Z. DeLorean murió en el 2005 y además de desafiar a los gigantes constructores estadounidenses con este extravagante auto le dio a la industria modelos como el Pontiac GTO del cual hablaré en otra ocasión.
FUENTE:
El que fuera un ejecutivo estrella de General Motors, John Z. DeLorean, desafió a la industria automotriz cuando decidió fabricar sus propios autos deportivos denominados "éticos" en una fábrica en Irlanda del Norte, para ser más específicos en Dummurry.
El DMC-12 era un auto construido en acero inoxidable, pulido y sin pintura, el creador del concepto fue Giorgetto Guigiaro. El diseño era fenomenal, las puertas de ala de gaviota lo hacían ver futurista y de otro planeta, -quizás por eso Robert Zemeckis pensó en este auto para la película.
La mecánica corría a cargo de un motor central de origen francés y sueco, un PRV (Peugeot, Renault, Volvo) de seis cilindros en V de casi tres litros y con una inyección de combustible Bosch K-Jetronic, novedosa en la época, pero convencional.
El DMC-12 no era un cohete, su desempeño era promedio, muy caro para lo que ofrecía. Lo irónico de este auto, cuyo creador llamó "ético", es que éste mismo usó medios muy poco "éticos" para tratar de salvar su compañía de la quiebra. Incluso John Z. DeLorean fue acusado, enjuiciado y encarcelado por tráfico de drogas por más de 25 millones de dólares y fue absuelto en 1984.
En el corto período de vida de la marca, 1981 y 1982 se fabricaron 6.500 autos. Pero el día de hoy es posible adquirir uno completamente nuevo con cero kilómetros con un fabricante independiente que compró los derechos de la marca en 1997.
John Z. DeLorean murió en el 2005 y además de desafiar a los gigantes constructores estadounidenses con este extravagante auto le dio a la industria modelos como el Pontiac GTO del cual hablaré en otra ocasión.
FUENTE:
http://ar.noticias.autocosmos.yahoo.net/2010/11/25/delorean-dmc-12-el-auto-de-volver-al-futuro
